Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Romphonics"! Y bueno, ¡comencemos!
Con una propuesta cada vez más consolidada dentro del indie rock argentino, Romphonics presenta "¿Quién soy yo?", el primer sencillo de su esperado tercer álbum de estudio. La canción propone una mirada introspectiva sobre la identidad en tiempos de sobreexposición digital, donde las redes sociales, la presión estética y las máscaras emocionales nos alejan de lo esencial: saber quiénes somos realmente.
"¿Quién soy yo?" combina una base rítmica sólida con guitarras nostálgicas y una atmósfera melancólica, fiel al sonido maduro que la banda viene construyendo desde su anterior trabajo. El tema marca el inicio de una nueva etapa artística, con una estética sonora y visual más cruda y directa.
El videoclip que acompaña el lanzamiento fue filmado en una ciudad nocturna, con una fuerte presencia de luces de neón, espejos y detalles urbanos que amplifican el mensaje existencial de la canción. Un retrato del vacío moderno, de la confusión y de la búsqueda interna en medio del ruido.
Este nuevo sencillo no solo abre las puertas al próximo álbum de Romphonics, sino que reafirma a la banda como una de las propuestas más interesantes de la escena alternativa actual.
Os dejo por aquí el videoclip de "¿Quién soy yo?". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Romphonics". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Hefe! Y bueno, ¡comencemos!
El universo sonoro de HEFE se expande con el lanzamiento de su nuevo EP, "LAS PROFECÍAS". Este nuevo material discográfico, compuesto por cinco canciones, explora inquietudes y pensamientos sobre el presente desde una perspectiva que fusiona la experiencia y el porvenir.
Esta nueva obra se define por una búsqueda sonora más analógica y abierta. Según el autor, las canciones fueron "desarmadas y armadas" junto a Francisco Artola (producción, y mezcla), permitiendo que cada una respirara su propia atmósfera y revelara su verdad individual, aunque formando parte de un todo conceptual. Además, el disco cuenta con la participación especial en batería de Sebastián Puntillo (Fonso y las Paritarias) y el oído clínico de Santiago De Simone para la masterización completa del disco.
"LAS PROFECÍAS" se compone de cinco temas, donde cada uno construye una pieza fundamental del relato.
"LOS PÁJAROS", descrito como un "opener beatle de cadencia soñadora", explora la búsqueda del amor en un mundo caótico. Inspirada en el cine de Robert Altman y reivindica la épica del estribillo y los solos de guitarra. La batería de Puntillo evoca el estilo de Ringo Starr.
"CRUZ DEL SUR", primer adelanto del EP, se presenta como una "carta filosa" sobre los incendios que nos rodean, tanto literales como metafóricos, buscando iluminar aquello que puede extinguirlos. La canción se aleja del sonido más confortable de su disco anterior, "Souvenir", y surge de la percepción de que los lugares seguros no lo son eternamente, influenciada por el delirio y los peligros del mundo actual. Hefe menciona a astros del rock como García, Páez, Babasónicos o Radiohead como referentes, y el videoclip homenajea thrillers políticos de los ‘70.
"VAF": Conectada temáticamente con el final de "Cruz del Sur", se describe como el punto más oscuro del disco, una exploración rocker con tintes cinematográficos y de ciencia ficción. Se destaca la belleza de las guitarras filosas de Francisco Artola.
"CARNADA": El segundo corte del EP es un homenaje a la música, el cine y el universo personal de Hefe, celebrando sus propios "baits" en un mundo competitivo. Musicalmente, incorpora influencias de Danger Mouse, la excentricidad de Primus y el pulso del rock y pop argentino de artistas como Fito Páez, Charly García, Perro Serrano y Viva Elástico.
"ALCALÁ" es una carta de amor. Esta canción amalgama el resto de los tracks como un concepto unificado. Cuenta con elementos de canción de cuna y reminiscencias a Tame Impala.
Os dejo por aquí el videoclip de "Cruz del sur". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Hefe. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran cantante: ¡Rama empanada! Y bueno, ¡comencemos!
Rama Empanada vuelve a la carga con "gratis", el segundo track que nos adelanta lo que será su esperado álbum de larga duración. Después de la colaboración con bautibit en "un poco más", el artista nos presenta una canción que se sumerge en la cotidianidad de un encuentro entre dos voces narrativas.
Con reminiscencias sonoras a The Strokes y Phoenix, "gratis" se adentra en las preocupaciones sobre el desencanto y la frustración que a menudo acompañan la vida adulta, así como en las tensiones latentes dentro de una relación y la dificultad para comprender las expectativas ajenas. La letra, íntegramente escrita por rama empanada, nos deja entrever fragmentos de estas reflexiones, como "Me deprime que mis viejos piensen solo en plata, Que las cosas que importaban hoy me dejen de importar" y la contundente afirmación de que "El amor es todo menos gratis".
Como reflejo del espíritu de la letra, el videoclip de "gratis" parte de una fuerte referencia a Risky Business, la pelicula de Tom Cruise. En esta versión el personaje está envuelto en una dinámica de home office exagerada. De cintura para arriba formal con camisa y corbata, y abajo un short de futbol, perfecto para videollamadas eternas. Rodea su escritorio una pared llena de post its con mensajes urgentes. En la cúspide de la frustración, el personaje toma whisky con unas empanadas tirado en el sillón.
La producción de la canción fue compartida por el artista junto a Junior Martain, mientras que Fermin Sagarduy estuvo a cargo de la mezcla y el master. El arte de tapa es obra de Azul Jazmín, y el videoclip que acompañará este lanzamiento fue realizado por Helena Trindade, Luz Toniolo Lopez y Santiago Rege.
Para aquellos que quieran disfrutar de la música de Rama Empanada en vivo, la banda ya tiene confirmadas dos fechas importantes: el 9 de mayo en Simona (CABA) y el 6 de junio en Distrito 7 (Rosario).
Os dejo por aquí el videoclip de "gratis". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Franco Leoz! Y bueno, ¡comencemos!
Franco Leoz es un artista argentino en pleno ascenso, reconocido por su estilo distintivo que fusiona una nostalgia pop en sonido y letras con una presencia escénica carismática y expresiva. Desde su adolescencia, Franco Leoz mostró una inclinación por la escritura de poesía y prosa, influenciado por su abuelo Alfredo Grassi, escritor y fundador de la ENERC. Paralelamente, cultivó su pasión por el canto tomando clases. La convergencia de estas dos habilidades lo llevó a componer sus primeras canciones, marcando el inicio de su búsqueda de un estilo propio.
"Palermitano" es mucho más que un álbum; es una "oda al amor correspondido" contada desde la experiencia personal de Franco Leoz. A lo largo de ocho canciones, el disco recorre las diferentes etapas sentimentales, desde el despertar del deseo hasta la plenitud de una relación estable. El artista se inspiró en vivencias diversas durante dos años de proceso creativo, concibiendo cada tema como un reflejo de una estación del año, con distintas personas y lugares, pero siempre manteniendo la esperanza de encontrar el amor verdadero.
El tiempo emerge como el protagonista central del álbum, impulsando las decisiones y la evolución de cada historia. La anécdota que da título al disco surge de un encuentro con Darío Barassi, quien definió a Franco como "No podes ser más Palermitano", una frase que resonó y dio forma al concepto del álbum. Esta idea se expande en un "shortfilm" que acompaña el álbum, narrando la rutina de un barista palermitano cuya vida monótona se transforma con la llegada de una misteriosa clienta.
Cada canción del álbum ofrece una ventana a un momento específico:
"Planetas" explora la magia y el descubrimiento inicial de una relación, invitando a disfrutar del presente sin apresuramientos.
"Lo Mismo" revive un encuentro fugaz en una fiesta, entre el deseo de reconectar y la incertidumbre del día después.
"Lo Sabía" celebra la atracción y la química desinhibida entre dos personas en una noche de excesos.
"Noche de verano" evoca la pasión y los recuerdos imborrables de un romance estival con una atmósfera nostálgica.
"Algún Día" aborda el desamor con aceptación y optimismo, dejando ir lo que ya no es y mirando hacia adelante.
"Flat White", primer adelanto del álbum lanzado en diciembre, marca un punto de inflexión, mezclando lo cotidiano con la búsqueda de conexiones genuinas y dejando atrás encuentros superficiales. La canción incluye un sample de la interacción con Barassi que dio nombre al álbum.
"Icónica" narra el despertar del amor hacia una mejor amiga, resaltando la evolución de la relación y el deseo de construir un futuro juntos.
"Sol y Luna" celebra la llegada de un amor profundo y seguro, donde dos personas se sienten completas y felices.
Os dejo por aquí el videoclip de "Icónica". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"William Campbell"! Y bueno, ¡comencemos!
"William Campbell" es una banda de rock alternativo originaria de la ciudad de La Plata, Argentina, que inició su camino en 2016. La banda se formó cuando dos amigos de toda la vida, Juan Pedro García Bossio (bajo) y Pedro Dal Bianco (batería), decidieron comenzar un proyecto musical con bases grooveras y funkys.
La escena rockera platense vuelve a vibrar con el lanzamiento de "Amuleto", el nuevo álbum de "William Campbell". El material se erige como un testimonio de transformación, trazando un puente entre la introspección del encierro durante la composición y la liberación catártica del escenario.
Tras un extenso proceso creativo de cuatro años de composición y dos años de grabación y producción, el disco exhibe una naturalidad irreverente, fusionando una amplia gama de referencias estéticas y sonoras. Ecos del grunge noventoso, destellos de garage rock e incluso punk se entrelazan con la sofisticación rítmica del R&B, el hip hop y la pulsión del house. Esta amalgama, filtrada por la crudeza y la inmediatez de una banda de rock, da vida a un sonido que se siente tanto contemporáneo como intempestivo.
Para la producción, se sumó la mirada externa de Santiago Monroy, quien trabajó de manera orgánica junto a Iñaki Goyeneche, miembro de la banda. Además, Nicolás Carlino se unió al equipo como responsable de la mezcla y masterización del álbum.
La narrativa del álbum comienza con composiciones nacidas durante la pandemia como "Escape", "Jungla", "De Lágrimas y Olvido" y "Los Ángeles". Con un tono tono sombrío y contemplativo, denuncian la incertidumbre del momento. Sin embargo, la energía del disco se transforma con el regreso a los escenarios en temas como "El Azar", "No Ficción" y "Rolling". El álbum cierra su ciclo creativo con "Película de Acción" y "Danza entre las Sombras", consolidando la identidad de un trabajo que oscila entre la penumbra y la catarsis, el encierro y la liberación.
Tras el lanzamiento de "Amuleto", la banda se prepara para llevar su nueva propuesta sonora al vivo. Su próxima presentación tendrá lugar el 26 de abril en Guajira, La Plata (ubicado en Calle 49 entre 4 y 5), a las 21 hs. Además, la banda tiene programada una presentación en Tandil el 10 de mayo
Os dejo por aquí el visualizer de "Rolling". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡Lu Kompel! Y bueno, ¡comencemos!
Desde temprana edad, la música formó parte intrínseca de la vida de Lu Kompel. Hija de un estudiante de piano en el conservatorio, creció rodeada de melodías e intentando replicar sus canciones favoritas en el piano familiar. Su curiosidad musical la llevó a explorar diversos instrumentos como la batería, el bajo y el piano, además del canto, siendo estos dos últimos los que la acompañan hasta el día de hoy.
"Fallar" nace de la visión de Lu Kompel y su productor, Juan, quienes llevaron su fascinación por la música disco al estudio, inspirándose en leyendas como Prince, Donna Summer y Aretha Franklin. El proceso creativo tomó un giro inesperado durante la grabación de voces, cuando una superposición accidental de tomas para el estribillo dio forma a la distintiva estructura en canon que hoy define la canción.
El track se enriquece con la participación de diversos músicos, aportando una sonoridad de banda en vivo que evoca la atmósfera vibrante de un club nocturno. En la instrumentación se distinguen teclados, guitarra, bajo y percusión, creando una base rítmica irresistible.
Lejos de ser solo una canción para bailar, "Fallar" profundiza en la sensación de vivir con ansiedad, depresión y una constante presión autoimpuesta, abordando también el temor a fallar y la dificultad de encontrar una pareja comprensiva. La letra, con una pizca de humor negro ante la adversidad, confronta la frialdad emocional en el vínculo amoroso. Como adelanto, un fragmento del estribillo resuena con fuerza: "En mi mente lo único que pesa es la probabilidad de fallar".
Las influencias estéticas y sonoras que nutren el universo de Lu Kompel son amplias y eclécticas, abarcando desde clásicos argentinos como Illya Kuryaki and The Valderramas, Virus y Charly García (en su etapa Modern Clix), hasta referentes internacionales como Donna Summer, Prince, Jessie Ware y Bruno Mars.
Os dejo por aquí el videoclip de "Fallar". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que así estéis al tanto de toda la información sobre Lu Kompel. No olvidéis seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Utah"! Y bueno, ¡comencemos!
Nacidos en Rosario y actualmente radicados en Capital Federal, "Utah" se ha consolidado como una propuesta sonora inquietante y en constante evolución. Formada por Javier Nuñez y Alan Mansur, la banda ha sabido construir un universo propio, bebiendo de diversas influencias que van desde la potencia industrial de Nine Inch Nails y la electrónica oscura de Depeche Mode, hasta los beats contundentes de Chemical Brothers, Justice, Daft Punk y la vanguardia de Kraftwerk.
Desde sus inicios, "Utah" ha demostrado una búsqueda constante por expandir sus límites, transitando por diferentes formatos y explorando diversas texturas. Su gran repertorio da cuenta de este recorrido. Cuentan con dos álbumes de estudio: "Veneno", y "Infernus Mafia", dos EP -"Lapso Corto", "Sueñan los Astros"- y numerosos singles como Luz Roja, Castillos, Rio Especie, No Tomorrow y Nostromo.
En su nuevo EP, "Utah" se sumerge lírica y sonoramente en la frenética realidad de las ciudades, abordando la inconformidad, la violencia, el materialismo, el hacinamiento y la asfixia social. "Mínima Histeria" nació de una serie de intensas sesiones de estudio con el aporte creativo del productor musical Francisco Cirilo. El proceso se orientó hacia la recuperación de métodos tradicionales, donde la exploración orgánica en el estudio con batería y bajo fue el punto de partida para la construcción de los sonidos y ritmos del EP. Para la etapa de posproducción, se sumó el talento de Augusto Brasseur (Microtron). El resultado es una amalgama de ritmos frenéticos y distorsionados que fusionan una multiplicidad de géneros, siempre con la impronta inconfundible del rock como base.
Dentro de los tracks que componen "Mínima Histeria", se encuentran canciones como "BRUSCOPÍA", que explora sentimientos de decepción y la espera de un cambio radical en la ciudad; "NECROVISIONES", con una intensidad que se manifiesta en la repetición de "Se pone violento"; y "PARAINSIDIO", que navega entre la pérdida de voluntad y la súplica por discreción.
"Mínima Histeria" fue compuesto, escrito e interpretado por Javier Nuñez y Alan Mansur. El lanzamiento de "Mínima Histeria" viene acompañado de una primera presentación: "Utah" será la banda de apertura de Winona Riders en el CC Güemes (Rosario) el 11 de abril.
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Utah". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de un gran artista: ¡Ner! Y bueno, ¡comencemos!
Nacido y criado en La Plata, Ner dio sus primeros pasos en la efervescente escena under platense entre 2011 y 2013. En esos años, se desempeñó como baterista en diversas agrupaciones locales, nutriéndose del espíritu independiente y creativo de la región.
Ner lanza su nuevo sencillo "No toquen destrucción". La canción surge de una profunda preocupación por el destino del icónico Luna Park. Tal como revela el artista, la primera parte de la letra nació a principios de 2024 como un "poema/descargo" ante los incipientes rumores de cierre del mítico recinto porteño.
Meses después, este boceto inicial tomó forma en el estudio de Tiago Puntunet, quien también se encargó de la producción musical y el piano. La melodía, descrita como "muy sencilla, casi tierna", se complementó con una segunda parte de la letra, de tono más "maníaco y desesperado". La grabación se caracteriza por un acompañamiento de piano sin tempo ni partitura, buscando una expresión más desalineada y real. A esta atmósfera íntima se suman ruidos ambiente auténticos, como sirenas y voces de multitud, junto con sutiles golpes de percusión orquestal que intensifican el clamor de la voz que suplica: “no me cierren a mi Luna”.
El contexto de la canción se enmarca en el anuncio de un proyecto de "remodelación" del Luna Park a principios de 2025 . Ante la sospecha de que esta iniciativa pueda ser una excusa para una demolición parcial o total del monumento histórico nacional desde 2007, "No toquen destrucción" se erige como una "alarma" ante el peligro de que el Luna Park sea desfigurado o derribado. La letra establece un diálogo personal entre Ner y el estadio, un espacio testigo de innumerables historias y sueños que ahora enfrenta su propio final. La canción se convierte así en un último y desesperado llamado de atención, una manifestación de conciencia ante la posible pérdida de un lugar crucial para la cultura y el espectáculo argentino.
En cuanto a las influencias estéticas y sonoras, el sencillo evoca la emotividad de los musicales de Cibrián y Mahler, hitos del Luna Park como Drácula y El Jorobado de París, recordando especialmente las arias solistas acompañadas al piano. También se perciben ecos de la introspección de Fito Páez en sus temas más íntimos, donde la voz y la palabra toman protagonismo sobre el arreglo musical, como en "Yo vengo a ofrecer mi corazón" o "Al lado del camino".
"No toquen destrucción" es más que una canción; es un testimonio de la conexión emocional de un artista con un espacio emblemático y una sentida defensa del patrimonio cultural.
Os dejo por aquí el audio de "No toquen destrucción". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste, y que así estéis al todo de todo lo relacionado con la carrera de Ner. No olvides seguirle en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para estar al tanto de todo sobre él. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Fiah Miau! Y bueno, ¡comencemos!
Llega "Pussy in Boots", el esperado álbum debut de la artista Fiah Miau, un proyecto inspirado en la naturaleza enigmática y salvaje de los felinos. El lanzamiento marca el inicio de un universo que fusiona electrónica, pop y distorsiones con una elegancia cruda.
"Pussy in Boots" es una inmersión en la esencia felina que tanto inspira a Fiah Miau. En nueve canciones, el álbum explora las múltiples vidas de la artista, revelando facetas misteriosas y salvajes. Al igual que los gatos, Fiah Miau se presenta como un ser enigmático, independiente y magnético. Su música, refinada en producción pero directa en mensaje, captura la gracia, la seguridad y un instinto depredador. "Pussy in Boots" no busca aprobación, sino que, con la certeza felina, siempre cae de pie.
El sonido del álbum encuentra un equilibrio entre la elegancia y la crudeza. Las referencias sonoras incluyen a Fka twigs y la energía de las raves, fusionando géneros sin limitaciones estilísticas. Estéticamente, se inspira en Audrey Nuna y la película y el tráiler de "El Gato con Botas".
El álbum cuenta con la colaboración de SixSex en "XOBXO", Roro en "Looking Pretty", y Chita en "WET" La producción del disco estuvo a cargo de diversos productores como Cocó, Cimarrón, Sigfrida, Bbynito e Ygnacyo. La mezcla y el máster fueron realizados por Jerónimo Samper y Medix Cielx.
Os dejo por aquí el videoclip de "Please Please Please". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Mora Navarro! Y bueno, ¡comencemos!
Mora Navarro es una artista, cantante, compositora y productora de 27 años nacida en Buenos Aires. Su vínculo con la música comenzó a temprana edad, estudiando canto, comedia musical, guitarra y piano, y presentándose en vivo desde los 8 años en diversos escenarios del país y del mundo. Desde 2016 lidera su proyecto musical, interpretando canciones de su autoría. En 2018, lanzó su primer single "Libres", una canción que se convirtió en un himno para el movimiento feminista en Argentina. Ese mismo año, la revista Vogue Latinoamérica la destacó como una de las voces mas influyentes de la región.
Mora Navarro, artista multifacética, presenta su flamante sencillo "ES AH0RA!". Se erige como un análisis del presente, un reflejo de la ansiedad y el ritmo frenético de la vida actual, donde los estímulos son instantáneos pero efímeros. Sin embargo, la canción trasciende la mera observación para convertirse en un llamado a la acción, incentivando a quien la escuche a confiar en su propio poder para alcanzar sus sueños. Con una letra que proclama "Yo sé que puedo cerrar esta cicatriz" y desafía las imposiciones con un sonoro "Cuando me dicen no, yo les juro que sí", el tema es una "palmadita en la espalda" que recuerda la importancia de vivir el presente, dejando atrás miedos y frustraciones. La ternura se alza como una fuerza transformadora, capaz de disipar la oscuridad.
Este nuevo tema llega como una excepción en el proceso creativo de Mora, ya que surgió de una melodía pegadiza concebida en la ducha, a la que inmediatamente se sumó la letra del estribillo. Este puntapié inicial fue la base para que la artista, junto a Percii, dieran forma a la composición en el estudio. La producción y mezcla estuvieron a cargo de Percii, mientras que el mastering fue realizado por @danieloviemastering.
En cuanto a sus influencias, "ES AH0RA!" se nutre de una rica paleta de referencias estéticas y sonoras. En lo visual, evoca la audacia de Arlequin couture y el New Romantic, con toques de burlesque y absurdo teatral, proyectando una visión de una Argentina 2025 "delirante". También se perciben ecos de la estética de películas como PEARL y American Beauty, así como la atmósfera cinematográfica de Wong Kar-Wai y la irreverencia de los 90. La canción incluso toma elementos simbólicos como el TOMATE, representando el miedo al fracaso que ningún artista desea experimentar. En lo sonoro, la impronta de artistas como Lupe, Lily Allen, Madonna, Caroline Polachek, St Vincent, David Bowie, Bjork, Charlie XCX, LCD Soundsystem y Yaeji se hacen sentir, prometiendo una propuesta sonora ecléctica y vanguardista.
Este lanzamiento llega en un momento de gran actividad para Mora Navarro, quien luego de un 2024 que la vio abrir los shows de Emilia en el Movistar Arena y realizar una gira por España, se encuentra inmersa en la creación de su segundo álbum, previsto para lanzarse en 2025. "ES AH0RA!" sin duda marca un adelanto intrigante de lo que será este nuevo material.
Os dejo por aquí el videoclip de "ES AH0RA!". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para volver a hablaros de una gran artista: ¡Camilo Desorden! Y bueno, ¡comencemos!
Compositora, productora, performer y cantante. Camilo Desorden se ha consolidado como una figura clave de la escena queer underground desde su irrupción en 2019. Integrante del trío La Chismoteka y con una sólida trayectoria solista, su música autoproducida destaca por un cuidado diseño sonoro y el desarrollo de texturas únicas, siempre acompañadas por su particular impronta vocal.
Autodidacta y con una familia de músicos, Camilo Desorden compone desde la infancia, explorando diversos instrumentos hasta encontrar su fuerte en la producción y composición electroacústica. Sus influencias son amplias, abarcando desde el pop y la música club hasta la música popular latinoamericana, con artistas como Arca, Björk, Caetano Veloso y Babasónicos como referentes.
Camilo Desorden, artista de Buenos Aires que viene marcando la escena underground queer desde 2019, presenta su nuevo sencillo "Idiota", un corte lleno de vértigo y eclecticismo que sirve como carta de presentación de su álbum debut. Editado a través del sello Fractura, quienes también están a cargo de la dirección creativa de la obra, "Idiota" nos sumerge en un universo de contrastes sonoros, combinando flautas traversas acústicas con bajos digitales rotos. La canción, producida junto a Cimarrón, revela una faceta íntima y desafiante plasmada en una letra que oscila entre la vulnerabilidad y la fuerza ("peligrosa, débil, diosa, y aún así algo de mí te mata").
La canción -mezclada y masterizada por Cimarrón y Renzo García respectivamente- cuenta con la participación de Maite Fleischmann en la flauta traversa. La dirección del video estuvo a cargo de Ezequiel Calafell, con dirección creativa de FRACTURA, vestuario y caracterización de Lorena Morán y Mia Cohen, producción de Rosario Espinoza, make up y pelo de Julieta Gottlieb, dirección de movimiento de Mauro Luno, y diseño gráfico de Sofia Mastrogiacomo.
Actualmente está preparando su primer álbum de larga duración. Contiene 15 canciones, con colaboraciones como las de Marttein, Juana Rozas, Cimarrón, Antuantú y más artistas. Allí reúne todas sus facetas e influencias en un plano íntimo y sensible. Estas historias y paisajes hechos canción transportarán a sus oyentes a un intenso viaje sonoro.
Camilo Desorden ya tiene una fecha confirmada para presentar este nuevo estreno y adelantar más de su álbum: será el 12 de abril en La Tangente, en el marco de la fiesta MACHETE.
Os dejo por aquí el videoclip de "Idiota". ¡No os lo perdáis!
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Los artistas emergentes del pop nacional, Rama empanada y bautibit, presentan su primera colaboración con "Un Poco Más", un single que captura la sensación de insatisfacción constante, esa búsqueda inagotable de algo más que parece siempre estar fuera de nuestro alcance.
Con influencias de Phoenix, Alex Anwandter y Miranda!, la canción se sumerge en una lírica honesta y vulnerable, envuelta en melodías pegadizas y arreglos que invitan tanto al baile como a la introspección. Entre sintetizadores envolventes y una base rítmica contagiosa, el tema se convierte en un himno para quienes viven con la sensación de que nunca es suficiente.
Además de marcar un nuevo hito en la carrera de ambos artistas, "Un Poco Más" funciona como el primer adelanto del próximo álbum de larga duración de Rama empanada.
Un videoclip que respira nostalgia indie-sleaze
El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Andrea Florens, Azul Jazmín, Victoria Zubarán y Ladislao Argüello Villar, que apuesta por una estética visual potente y nostálgica. Con guiños a la puesta en escena de "Somebody That I Used to Know", el clip refuerza el imaginario indie-sleaze con colores saturados y composiciones minimalistas, envolviendo la canción en una atmósfera tan melancólica como irresistible.
Y esto es todo. Os dejo por aquí el videoclip de "Un Poco Más". ¡No os lo perdáis!
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Uma German es una cantautora argentina que se ha destacado por su música honesta y conmovedora. Con una voz única y letras personales, ha logrado conectar con un público fiel que la sigue en su crecimiento artístico.
En su nuevo single "No me sale odiarte", Uma German nos sumerge en un universo íntimo donde la vulnerabilidad y la búsqueda de afecto se entrelazan, explorando las complejidades del desamor y la lucha interna por superar un vínculo que ha marcado profundamente su autoestima.
Con una letra honesta y desgarradora, la artista logra capturar la frustración y el dolor de quien sigue amando a alguien que la ha lastimado. La melodía, con su característico estilo indie pop, se entrelaza con la voz de Uma para crear una atmósfera íntima y emotiva.
"Esta canción es un reflejo de un momento muy personal en mi vida", confiesa Uma. "Quería expresar la sensación de estar atrapada en un ciclo de dolor y la dificultad de desprenderse de alguien que ha dejado una huella profunda en nuestra identidad", confiesa Uma. "Es un homenaje a todas aquellas personas que han experimentado que buscan sanar esas heridas".
"No me sale odiarte" se posiciona como el séptimo track de "Dependencia Emocional", un álbum que se encuentra muy próximo a estrenarse y que promete ser un viaje intimo por las distintas etapas de una ruptura amorosa.
Y esto es todo. Os dejo por aquí el videoclip de "No me sale odiarte". ¡No os lo perdáis!
Espero que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Uma German. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un artista: ¡TestaAa! Y bueno, ¡comencemos!
Han pasado 3 meses desde la primera vez que os hablé sobre TestaAa. En aquel post os presenté al cantante y su anterior single, "E.T.Q.P.". Ahora llega con la salida de su nuevo single: ¡"Intoxikado"!
"Intoxikado" una canción con aires de rock indie y un toque de melancolía con un ritmo que busca contagiar al oyente la sensación de calma y tranquilidad, con una letra doble sentido y hasta polémica que se mueva entre oscuridad y luz
TestaAa es un joven artista de Buenos Aires, oriundo del barrio de Haedo. A los 14 años se acercó por primera vez a la música al aprender a tocar la guitarra. Unos años después, llegaron las primeras letras con sus acordes y la espontánea manera de escribir versos con una inclinación a lo sentimental.
En su música conviven el fuerte arraigo en el rock and roll, la experimentación con el indie-pop, toques de rap alternativo, y referentes como los Beatles, Charly Garcia, Babasónicos, Usted Señalemelo, Planta e Isla de Caras.
Su debut de "Esperando el tren" publicado en febrero de este año lo posicionó como un artista dentro del género indie. Sin embargo, TestaAa revelará a través de sus próximas canciones cómo convive en él música de todos los estilos.
Y esto es todo. Os dejo por aquí el directo de "E.T.Q.P.". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran grupo: ¡"Tiger Mood"! Y bueno, ¡comencemos!
Ha pasado un mes desde la primera vez que os hablé sobre "Tiger Mood". En aquel post os presenté al grupo y su anterior single, "bebi". Ahora llega con la salida de su nuevo single: ¡"bebi"!
La banda "Tiger Mood" acaba de lanzar tamagochi, un disco cargado de groove que combina las influencias de Anderson .Paak y Prince. Con una propuesta que fusiona R&B, soul, hip-hop y música disco, el álbum se destaca por su sonido fresco, letras en español y un toque de expresiones en inglés.
Pensado como una experiencia musical para disfrutar de principio a fin, "tamagochi" abre con "hi :)", una invitación a dejarse llevar por el groove. El primer adelanto del disco, "bebi", relata una historia de desamor sin abandonar la energía característica de la banda. A medida que avanza, canciones como "chichi" y el interludio instrumental "loading…" conducen al oyente hacia momentos más íntimos con temas como "selva" y "gota". Entre las sorpresas del disco se encuentra una reversión del clásico "Never Too Much" de Luther Vandross fusionada con un homenaje a "Everybody" de los Backstreet Boys, además de transiciones 8-bit que homenajean el concepto detrás del título del álbum.
La producción de tamagochi fue un viaje colaborativo que abarcó sesiones en Buenos Aires y Rosario. Rocío Ricci, vocalista de "Tiger Mood", lidera las composiciones, acompañada por la creatividad musical de Cris González (guitarra), Diego Savioli (teclados), Juan Semina (bajo), Lean Quinteros (batería) y los coros a cargo de Peni Cuneo y Lali Ferreiros.
Y esto es todo. Os dejo por aquí el videoclip de "La Semilla". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de "Tiger Mood". No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ellos. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
Hla a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Sua! Y bueno, ¡comencemos!
Ha pasado medio año desde la última vez que os hablé sobre Sua. En aquel post os presenté su anterior EP, "Caballo y Desierto". Ahora lanza su nuevo disco: ¡"SOMNIUM"!
SUA, la joven cantautora de raíces hispano-argentinas, lanza "SOMNIUM", su primer álbum de estudio. Producido por Mariano Otero, este trabajo surge de un proceso creativo íntimo y natural, en el que artista y productor forjaron una conexión mágica, traduciendo las emociones de SUA en una obra llena de sinceridad y exploración.
El título, "SOMNIUM" (que significa "sueños" en latín), refleja el carácter onírico y personal del disco. Cada canción funciona como una nana dedicada a los "niños dormidos" que simbolizan a sus amantes, encapsulando historias de desamor, perdón, enamoramiento, noches efímeras, traición, toxicidad y nostalgia. "Estas canciones son cartas de amor a ese mundo frágil que me ha formado", confiesa Sua.
En su esencia, "SOMNIUM" es un viaje emocional que transforma las experiencias más íntimas en melodías delicadas pero poderosas. Con una voz que fusiona fuerza y vulnerabilidad, y un universo sonoro minimalista pero cautivador, Sua demuestra una madurez artística sorprendente para ser su debut.
El jueves 12 de diciembre de 2024, a las 21:30 horas, Sua presentará "SOMNIUM" en vivo en Niceto Club (Humboldt). Un show donde el fuego que lleva en su nombre se encenderá en el escenario, con una propuesta que mezcla fuerza, fragilidad y la autenticidad que caracteriza a la artista.
Y esto es todo. Os dejo por aquí el videoclip de "Altar". ¡No os lo perdáis!
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Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a un gran artista: ¡Catalina Ammaturo! Y bueno, ¡comencemos!
Han pasado 6 meses desde la primera vez que os hablé sobre Catalina Ammaturo. En aquel post os presenté a la cantante y su anterior single, "Caminar en Cristal". Ahora llega con su nuevo EP: ¡"La Pena"!
Catalina Ammaturo lanza "La Pena", un EP íntimo y emocional que explora las profundidades del amor, la pérdida y el renacer personal. Este proyecto es mucho más que un disco: es el resultado de un proceso de sanación y colaboración artística que refleja las vivencias de la cantante tras un amor que la marcó. Además de haber presentado sus primeros adelantos en el último festival Saldias, prepara su propio show en el teatro Roxy el 29 de noviembre a las 20:00
"Me gusta decir que "La Pena" va de cómo la sobreviví", expresa Catalina, quien encuentra en este EP la voz para narrar su viaje desde la negación hasta la aceptación. Producido junto a Sammuel Shea (Warbly Jets), un músico y productor estadounidense que conoció por casualidad en la calle, el proyecto se nutrió de un intercambio creativo único que fusiona sonidos modernos y elementos más "vintagescos", como describe la artista. Además, contó con la colaboración inicial de Mariano Sucar en el desarrollo de las primeras ideas.
El EP incluye canciones como "Indefinidamente", que Catalina señala como el punto más oscuro del trabajo, y otras que representan diferentes etapas del duelo y la superación, desde el enojo hasta la paz. La última canción, compuesta tras un experimento intenso de escribir tres canciones al día durante una semana, cierra el disco con un mensaje de cierre pacífico, reflejando cómo la artista logró encontrar su propio final en esta historia.
Una de las características más emocionantes del proyecto es la incorporación de su primera canción en inglés, nacida de la dinámica natural de trabajo con Sam, con quien se comunica mayormente en ese idioma. Este detalle abre la puerta a futuras exploraciones bilingües en su música.
El proceso de creación también incluyó un componente colectivo y entrañable: sesiones acústicas en la casa de su productor, donde Ammaturo interpretó las canciones del EP antes de su lanzamiento para recaudar fondos y cubrir los costos de mezcla. "Fue una linda forma de pagar el disco", dice con gratitud sobre esta experiencia que acercó aún más su música al público.
Continuará dejando una marca indeleble en la escena musical ya que su carrera apenas está comenzando. Con una nueva conformación en su banda por delante, sigue explorando y expandiendo los límites de su arte, ofreciendo a sus oyentes una visión íntima y poderosa de su mundo interior. "La Pena" es un testimonio de la vulnerabilidad, la resiliencia y la capacidad de convertir el dolor en arte. Catalina Ammaturo nos invita a recorrer su historia con cada nota, y nos deja con una sensación de que, incluso en los momentos más oscuros, la música siempre puede ser una luz.
Y esto es todo. Os dejo por aquí el visualizer de "Chica Violeta". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Catalina Ammaturo. No olvidéis seguirlos en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
Hola a todos y bienvenidos una vez más. Aquí me encuentro de nuevo para traeros las últimas noticias musicales. En esta ocasión vengo para presentaros a una gran artista: ¡Señorita Novio! Y bueno, ¡comencemos!
Cantante, guitarrista, compositora y productora argentina, Señorita Novio construye su música en la frontera del indie rock de los 00’-10’, incorporando influencias del postpunk y synthwave. Con un sonido que oscila entre lo intenso y lo fresco, la artista se presenta tanto en formato banda como en solitario, ofreciendo shows únicos e impredecibles.
Su disco debut, "Pendeja", exploraba el universo lésbico-queer con irreverencia y frescura, mientras que "Isla Queer", una compilación de canciones LGBTIQ+ versionadas en clave electro-pop, mostraba su compromiso con la diversidad y la colaboración con artistas emergentes de Latinoamérica.
En su haber, Señorita Novio cuenta con participaciones en playlists destacadas de Spotify y Amazon, como Piola y La Power, y ha formado parte de selecciones como Indie Argentina, Equal Argentina, Novedades Indie, El Under y 6pm, entre otras.
Ahora lanza su nuevo single: ¡"Me empujan"!
Señorita Novio fusiona el indie rock con elementos del post-punk, creando una propuesta musical que recuerda a artistas como Barbi Recanati, Marilina Bertoldi y Carolina Durante. Su nueva canción "Me empujan", una fusión visceral de indie rock y post-punk, es un reflejo de la disconformidad y la ruptura de estructuras ante un futuro incierto. La estética postpunk no se limita a lo sonoro, sino que también se plasma en la lírica, retomando la disconformidad y la crítica social características del género.
"Me empujan" nació de una sesión de composición y producción de tan solo cinco horas en el home-studio de Juano Loyola, quien también produce el tema. La urgencia y la crudeza del mensaje se traducen en un sonido intenso, potenciado por la grabación en vivo de las baterías a cargo de Emiliano Rimoldi.
El lanzamiento de "Me empujan" marca el inicio de una nueva etapa para Inés Mauri, quien bajo el nombre de Señorita Novio explora una faceta más enérgica y contestataria de su arte. Con un disco en camino y una fecha en La Plata para el 21 de diciembre, Señorita Novio promete seguir desafiando las normas y agitando la escena musical.
Y esto es todo. Os dejo por aquí el videoclip de "Amuleto". ¡No os lo perdáis!
Espero que os guste y que con todo esto podáis estar al tanto de todo lo relacionado con la carrera de Señorita Novio. No olvidéis seguirla en sus redes sociales (X, Facebook, Instagram, YouTube, Spotify) y página web para saber todo sobre ella. No olvidéis compartir el post para que así llegue a más gente y sígueme en mis redes sociales (X,Bluesky, Facebook, Instagram, YouTube, GoodReads) para ver cuando traigo un nuevo post. ¡Hasta pronto!
